Une entrée en scène qui tape fort

Quand Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutant Mayhem a débarqué en été 2023, il n’avait pas seulement pour mission de ressusciter une franchise vieille de décennies : il devait prouver qu’un film de super-héros adolescents pouvait sonner moderne sans trahir la nostalgie. Le pari est double — rendre justice au cartoon et aux comics tout en imposant un langage visuel et narratif neuf — et, pour beaucoup, le film l’emporte haut la main. Porté par une production Point Grey/Nickelodeon et distribué par Paramount, le long-métrage a trouvé un public large, rafraîchissant la mythologie des Tortues par le prisme de l’adolescence, de l’amitié et de la culture urbaine.

Histoire de caniveau et de loyauté

Le film raconte les débuts des quatre frères — Leonardo, Donatello, Michelangelo, Raphael — élevés dans les égouts de New York par Splinter. Libérés de l’isolement, les Tortues entendent conquérir le cœur des New-Yorkais par leurs actes héroïques, mais leur désir d’acceptation les confronte vite à une désillusion : la ville est dirigée par Superfly, un leader mutant qui réunit gangs, bêtes et rebuts de la métropole. Entre soirées, premières amours maladroites et batailles de rue, le film mêle la comédie d’apprentissage à l’affrontement spectaculaire, en gardant toujours la question centrale : que signifie grandir quand le monde te voit comme une menace ?

Qui signe la conduite du bolide

La réalisation est portée par Jeff Rowe, co-dirigé avec Kyler Spears — duo venu de l’animation moderne et des comédies juvéniles — et produit par Seth Rogen, Evan Goldberg et James Weaver via Point Grey. Rowe, après The Mitchells vs. the Machines, a voulu imprimer au récit une sensibilité ado, proche du carnet de croquis, et un humour irrésistible mêlé à une urgence émotionnelle. La production elle-même a été pensée comme un chantier collaboratif où la modernité du propos (les adolescents-héros) rencontre une industrie européenne et nord-américaine du VFX.

Les voix qui habitent les masques

Le film adopte une idée forte de casting : donner aux Tortues des voix d’adolescents réels — Micah Abbey, Shamon Brown Jr., Nicolas Cantu et Brady Noon — pour retrouver une vérité d’âge et d’intonation. À côté d’eux, Ayo Edebiri prête sa voix à April O’Neil, Jackie Chan devient la voix de Splinter, John Cena et Seth Rogen incarnent Rocksteady et Bebop, tandis qu’Ice Cube prête sa voix à Superfly. Le reste du cast (Maya Rudolph, Paul Rudd, Giancarlo Esposito, Post Malone et autres) compose un paysage vocal dense et souvent éclatant. Ce choix de jeunesse dans les voix, rarement vu dans les grosses productions d’animation, nourrit l’alchimie fraternelle du groupe et permet des échanges plus crus, spontanés et humoristiques.

Une animation d’un nouveau genre

Être précis : Mutant Mayhem est un film entièrement animé, réalisé à partir d’un pipeline réparti entre plusieurs studios — Mikros Animation (Paris/Montreal) et Cinesite (Vancouver/Montreal) ont assuré l’essentiel de l’animation et des assets — et coordonné par Paramount/Nickelodeon. Les équipes ont développé des shaders, des courbes et des outils sur mesure pour atteindre un rendu volontairement « rugueux », inspiré des croquis de carnet d’adolescent : textures crayonnées, contours irréguliers, et coups de ligne visibles à l’arrêt — une esthétique hybride entre 2D et 3D conçue pour évoquer le dessin brut. Les superviseurs VFX ont travaillé longuement sur ces outils afin d’obtenir une cohérence à l’échelle d’un long métrage, tout en gérant des défis techniques tels que la simulation de foules et l’éclairage stylisé.

Le style visuel : adolescent, griffonné, vivant

L’identité visuelle est l’élément le plus revendiqué du film. Les équipes de production ont suivi un « North Star » : produire une image qui ressemble à un dessin d’adolescent — « draw like you’re 15 », comme l’ont résumé les créatifs — tout en conservant la profondeur et le mouvement d’un film CGI. La texture volontairement imparfaite, les effets d’ombres crayonnées et l’emploi d’un rendu dit « 2.5D » donnent au film une énergie graphique atypique qui évoque Into the Spider-Verse par l’esprit d’expérimentation, sans lui être un clone. Ce parti-pris rend les combats lisibles mais désordonnés, l’espace de la ville plus organique, et installe une empathie immédiate avec la jeunesse des protagonistes.

Improvisation et travail d’ensemble

Un autre choix de production notable : la plupart des comédiens principaux ont été enregistrés en sessions collectives, souvent en petits groupes, favorisant l’improvisation et les répliques naturelles. Cette méthode, recommandée par Seth Rogen sur d’autres productions, a permis de capter le rythme, la camaraderie et les ruptures comiques véritables — on entend, dans l’ensemble, la vivacité d’une bande d’adolescents qui se cherchent. Cet usage de l’enregistrement collectif (plutôt que la prise isolée en cabine) est devenu, pour le film, un outil de direction d’acteurs à part entière.

Reznor & Ross et le groove de la rue

On ne s’attendait peut-être pas à voir Trent Reznor et Atticus Ross composer la musique d’un film Teenage Mutant Ninja Turtles, et pourtant leur score — électro, parfois garage-band, parfois industriel — colle parfaitement à l’ambiance souterraine et à la nervosité urbaine du film. À cela s’ajoutent morceaux de hip-hop classique et morceaux choisis qui donnent au film sa couleur East-Coast, skate-punk, Tony Hawk-style ; la bande sonore participe à la personnalité frondeuse des héros et à leur esthétique « sale mais chaleureuse ».

Innover n’est pas forcément révolutionner

L’innovation du film est surtout tonale et formelle : remettre les Tortues dans un registre adolescent (et non pas super-soldat d’élite), confier leurs voix à de vrais ados, et afficher une image volontairement imparfaite. Techniquement, Mikros et Cinesite ont adapté des pipelines pour obtenir un rendu dessin-croquis à l’échelle d’un film, ce qui n’était pas anodin : il a fallu inventer des shaders, réécrire des workflows, et repenser la manière de rendre les contours et la hachure sur des volumes 3D. Sur la narration, le film ose la vulnérabilité des héros : la question de l’acceptation sociale et de l’identité adolescente devient moteur dramatique, ce qui renouvelle la mythologie en l’ancrant dans des affects contemporains.

L’alchimie prime sur le solo

Sur le plan des performances vocales, le film tient principalement grâce à l’exactitude de ton : les adolescents-voix donnent une nervosité réelle aux scènes de groupe, Ayo Edebiri apporte une fraîcheur spontanée à April, et les poids lourds (Jackie Chan, Seth Rogen, Ice Cube, John Cena) jouent leurs cartes dans un registre parfois plus large, parfois en contrepoint comique. Les critiques ont salué la cohésion du casting et la manière dont le film capte la fraternité et la vulnérabilité, plutôt que d’individualiser des « shows » d’acteur. Il est juste de dire que l’essentiel de la réussite tient à la dynamique d’ensemble plus qu’à des performances isolées spectaculaires.

Nominations et prix techniques

Le film a récolté un joli bouquet de nominations dans le circuit critique et des prix techniques : nominations aux Annie Awards, aux Critics’ Choice, à la Producers Guild et à de nombreux prix locaux de critique, ainsi qu’un prix au Heartland Film Festival. Les cercles professionnels ont particulièrement salué la production design, la colorimétrie et les effets visuels — autant d’honneurs qui attestent d’une reconnaissance technique concrète, même si Mutant Mayhem n’a pas été le mastodonte plébiscité par tous les jurys mainstream.

Où le film s’essouffle parfois

Rien n’est parfait : la même volonté de « griffonner » peut fatiguer sur la durée pour certains spectateurs qui préfèrent un rendu plus poli ; la narration, volontairement hachée pour coller au point de vue ado, perd parfois en densité dramatique sur quelques sous-intrigues. Enfin, si le film revendique une énergie « punk », certains moments pêchent par excès de bonne volonté — vouloir jongler entre comédie, émotion et action sans toujours laisser le temps à chaque registre de s’épanouir. Ces réserves restent mineures au regard du plaisir global, mais elles expliquent que le film soit adoré par beaucoup et jugé imparfait par d’autres.

Un succès respectable

Commercialement, Mutant Mayhem a très correctement marché : autour de 180 millions de dollars de recettes mondiales, avec un démarrage domestique robuste et un bouche-à-oreille favorable, surtout auprès des publics jeunes et des familles nostalgiques. Ces chiffres posent la question de la place d’un film d’animation original face aux franchises établies : Mutant Mayhem montre qu’une proposition créative et audacieuse peut trouver son public si elle combine style fort et cœur d’histoire.

Un film qui respire et qui bat pour la jeunesse

Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutant Mayhem est, avant tout, une réussite d’intention. Plutôt que de recycler la nostalgie en pilotage automatique, il a choisi de remettre la jeunesse au centre — dans la voix, dans le regard, dans la forme. Techniquement ambitieux, visuellement culotté, narrativement chaleureux, il installe une version moderne et vibrante des Tortues, capable de ravir enfants et adultes curieux. Ses innovations tiennent moins à la révolution technologique qu’à une audace esthétique et à des pratiques de production (enregistrement collectif, pipeline sur mesure, attention aux conditions des animateurs) qui méritent d’être notées. Si le film n’est pas parfait, il fait preuve d’une sincérité et d’un entrain qui donnent envie d’en reparler, et — surtout — d’attendre la suite.